Московский государственный академический художественный институт имени В. И. Сурикова, участник проекта «Живописная Россия. Школа Будущего» (2021)
_____________________________________________________________________________________________________________________________________________________________

Изучение творчества преподавателей художественных ВУЗов – очень интересная и полезная задача. Она помогает ответить на вопросы: какие стилистические традиции передаются тем или иным педагогом своим ученикам? Какие новаторские тенденции могут развиваться в конкретной мастерской? Какие основные тематические и образные, композиционные, цветовые и другие задачи могут рекомендоваться для решения ученикам?
Каждый художественный ВУЗ в России сейчас в той или иной степени имеет в лице своих преподавателей разные векторы развития в отношении доминирующих стилистических предпочтений, образных решений. В каждом складывается свой баланс между уважением к классической традиции и желанием обновления пластического языка. Важную роль в нахождении этого баланса играют традиции института.
У Московского государственного академического художественного института имени В.И. Сурикова, основанного в 1934 году на базе графического факультета бывшего ВХУТЕИНа (Высшего художественно-технического института), они восходят к ВХУТЕМАС (Высшим художественно-техническим мастерским), а через них к дореволюционному Московскому училищу живописи, ваяния и зодчества, образованному еще в 1843 году. Московская живописная школа уже с ХIX века была более свободолюбивой и новаторской по отношению к петербургской. Именно в Московском училище сформировалась реалистическая жанровая картина, в 1930-е годы положенная в основу живописи соцреализма. Традиции натурного письма на пленэре В.Д. Поленова, И.И. Левитана, А.Е. Архипова, К.А. Коровина, В.Н. Бакшеева и других мастеров остаются очень востребованными преподавателями и учениками института имени В.И. Сурикова.
Значительный заряд обновления московская художественная школа получила в 1920-е годы, когда станковые мастерские живописного факультета ВХУТЕМАСа возглавлялись В.В. Кандинским, П.П. Кончаловским, Н.А. Удальцовой, P.P. Фальком, А.В. Шевченко, Д.П. Штеренбергом. На монументальном отделении действовали мастерские И.И. Машкова и П.В. Кузнецова, на декоративном отделении преподавали Ф.Ф. Федоровский, А.В. Лентулов и В.А. Веснин.
Негативным фактором для преемственности московской живописной школы стало закрытие весной 1930 года ВХУТЕИНа и перевод живописного и скульптурного факультетов в Ленинград с созданием Института пролетарских изобразительных искусств. Лишь в 1935 году удалось сформировать живописный факультет в Московском институте изобразительных искусств, который с 1939 года получил название Московский государственный художественный институт. В 1938 году в ВУЗе уже действовали станковые живописные мастерские И.Э. Грабаря, С.В. Герасимова, Б.В. Иогансона и Г.Г. Ряжского, монументальная мастерская А.А. Дейнеки.
От 1930-х до современности в институте идет непрерывная (даже во время войны) работа по становлению профессиональных живописцев, в которой можно условно (!) выделить три периода: до начала 1960-х годов (время директорства Н.Ф. Лапина, И.Э. Грабаря, С.В. Герасимова и Ф.А. Модорова) с установкой на «крепкую» реалистическую картину, 1960-е – 1980-е годы (ректоры А.В. Мызин, Н.В. Томский и П.И. Бондаренко) с появлением большей свободы в пластических решениях студентов и, наконец, последние тридцать лет (ректоры Л.В. Шепелев, А.А. Бичуков и А.А. Любавин), отмеченные постепенным нарастанием тем, форм, техник и материалов, связанных с тенденциями современного изобразительного искусства.
Большинство нынешних педагогов Московского художественного института окончили родной институт. К старшему довоенному поколению относятся художники Павел Федорович Никонов, Герман Алексеевич Мазурин, Олег Иванович Ардимасов, Виктор Николаевич Слатинский, Николай Николаевич Соломин, Раиса Ивановна Лебедева.
Известный прежде всего своими работами в «суровом стиле» Павел Федорович постоянно ищет новые средства выражения и является прекрасным примером неутомимости творческого поиска для студентов. Используя экспрессивную манеру, мастер («Последний рейс», 2007; «Рыбаки на Волге», 2017; «Упавшая липа», 2018) далеко уходит от академического искусства, но основа его живописи в четком знании основ реалистического рисунка, классических законов композиции и цветовой гармонии.
Поколение родившихся в послевоенное десятилетие более многочисленно. Среди его представителей в институте – живописцы-монументалисты Евгений Николаевич Максимов и Иван Леонидович Лубенников. Первый известен в первую очередь многочисленными росписями православных храмов, но также является замечательным станковистом, иконописцем, мастером пейзажа, портрета, натюрморта, исторического жанра («Штурм крепости Карс русскими войсками в 1877 году», 2021), тонким рисовальщиком.
Иван Леонидович известен вероятно в равной степени как монументалист, работающий в техниках фрески, мозаики, витража, росписи по сухой штукатурке, обработки металла и других, так и станковист, выработавший самобытный живописный стиль с элементами эстетики русского лубка, наивного искусства и примитивизма («Завтрак на траве», 2013; «Золотая осень», 2019). Сквозь призму бытовых сцен, причудливых натюрмортов («Итальянский натюрморт», 2016) видна любовь художника к классическому искусству с его законами композиционной и цветовой гармонии и равновесия.

Идея преображения реальности также близка Виктору Николаевичу Русанову и Анатолию Александровичу Любавину, каждый из которых выработал свой метод овеществления потаенного. Произведения первого напоминают витражи или мозаичные панно, в которых герои погружены в себя или созерцают («В мастерской художника», 2020; «Воскресный день», 2020).
Картины Анатолия Александровича передают удивительный мир личных переживаний мастера, облеченный в особенную живописную ткань с преображенным цветом, музыкальными линиями и умиротворенными образами («Июльский дождь», 2008; «Под облаками», 2018). Намеренное искажение перспективы, наложение пространств, игра с разницей масштабов и сочиненный колорит, наряду с изображением предметов из обихода и введением условных рам создают у зрителя ощущение попадания в зазеркалье, в некий сказочный мир со своими законами времени и пространства («Спасская башня», 2020; Натюрморт из серии «Самоизоляция», 2020).
Среди мастеров, придерживающихся более реалистического метода, – А.Н. Суховецкий, С.И. Смирнов и Н.В. Колупаев. Излюбленные темы Алексея Николаевича связаны с Москвой. Виды города с ее архитектурой разных эпох, отражениями, взаимоотношениями земли и неба созданы у него с многообразием цветовых акцентов и контрастов, со сложными сближенными тональными отношениями («Бородинский мост», 2021). Художник нередко использует символы и аллегории («Скованный», 2015).
Сергей Иванович Смирнов – мастер лирического пейзажа («Вечер хорошего дня», 2011), городских («Пригревает», 2012) и сельских («Куда плывут облака», 2014) видов, интерьеров, исторических сцен из жизни городов. Продолжатель московской школы живописи начала ХХ века главным выразительным средством считает колористическую эмоциональную тональность.
Мастер жанровой картины Николай Владимирович Колупаев разрабатывает темы художественного творчества, крестьянского быта, русской истории и античной философии. Наследуя живописный метод Гелия Михайловича Коржева, он подчеркивает пластическую выразительность формы, подчас играя с пространством («Подрамник, клещи, холст», 2018), и выстраивает композиции, иногда ограничиваясь несколькими простыми предметами («Серп и топор», 2021).
Поколение 1960-х – 1970-х несет в себе заряд желания большего творческого обновления. Айдан Таировна Салахова использует основы крепкого академического рисунка, классических законов композиции, ритма, цветовой и световой гармонии и добавляет к ним методы и темы современных течений искусства, родственные абстракционизму, символизму, сюрреализму («Начало», 2014) и восточным изобразительным традициям («Наблюдение», 2020).
Все представленные художники очень самобытны и разнообразны в своих творческих исканиях. При этом, стоит учитывать, что как ВУЗ в целом, так и каждый из его педагогов активно эволюционирует, учитывая современные тенденции в окружающей нас жизни. По словам А.А. Любавина, «настало время умного художника-профессионала», когда еще важнее, чем раньше, становится не цеховая принадлежность мастера, а его профессиональные качества, часто выходящие за рамки одного вида искусства.
Творчество живописцев-педагогов Московского художественного института имени В.И. Сурикова является прекрасным примером для обучающихся студентов. Мастера передают свои знания и опыт профессиональной работы в станковых и монументальных формах. Важными установками в работе мастерских при этом являются сохранение своеобразия каждого ученика, его интересов, психологических особенностей, а также ограждение его от подражания как педагогам, так и сверстникам.
При всей свободе творческого выбора опыт многих поколений живописцев, окончивших институт, говорит о необходимости сохранения и совершенствования классического академического художественного образования, которое дает основу для дальнейшего профессионального развития в разных видах и жанрах искусств.

Изображения в публикации:
Никонов Павел. <аба с петухом. 2016, холст, масло, 100х80
Суховецкий Алексей. Пречистенская набережная. 2008, холст, масло, 112х132
Смирнов Сергей. Самый длинный день. Картон, темпера, 70х80